Теория художественной композиции в ХХ веке - стр. 3

Дело в том что в Соединённых Штатах Америки, как и в Европе, после 1850-х годов произошло знакомство с японским традиционным искусством. Влияние японского искусства на творчество европейских и американских художников позже было обозначено как японизм.

Французский искусствовед Филипп Бурти впервые использовал термин «японизм» в статье, написанной в 1872 году о моде в Европе на товары из Японии. Японизм начал развиваться как направление западноевропейского искусства с середины XIX века, когда японские товары начали поставляться в Америку и Европу. Художники стали использовать традиционные японские техники и узоры, они часто изображали восточные предметы в своих картинах. Винсент Ван Гог писал: «Вся моя работа в значительной мере строится на японцах». Эдгар Дега, Георг Хендрик Брейтнер, Анри Тулуз-Лотрек были увлечены японским искусством. В России японизм в основном распространился в области архитектуры, дизайна интерьеров и садово-паркового искусства. Значение этого явления очень велико и считается, что это было одним из главных факторов в трансформации искусства предыдущей эпохи в то, что мы называем современным искусством. До знакомства с японской культурой, изобразительное искусство было подражательным, то есть, оно выполняло в какой-то степени функцию фотографии. Когда европейские художники познакомились с работами классических японских мастеров, они обнаружили что вовсе не обязательно копировать натуру для того чтобы получилось гениальное произведение. Плюс к тому, необходимость копирования натуры была уже не так важна в связи с тем, что была уже изобретена фотография. И, кроме того, случился очень важный шаг в развитии искусств – художники стали творить исходя из того что они ощущали как нужное и важное. И по содержанию, и по стилю. То есть, появилась творческая свобода.

Доу в своей книге «Композиция: серия упражнений в художественной структуре для использования студентами и учителями» пишет что копирование – это тупиковая ветвь, что нужно, прежде всего, овладеть художественной структурой. У Доу структурой называется то, что представлено через изобразительные средства, он это называет линия, нотан и цвет. По-русски это линия, тон и цвет. То есть, это те средства, которыми создаётся изображение и, соответственно, именно этими средствами и надо владеть художнику чтобы создавать изображения которые не будут повторять какие-то реальные предметы и сцены а будут ценны сами по себе.

Идеи Доу были в значительной степени подсказаны ему профессором Феноллозой. Профессор Феноллоза это очень интересная личность. Он долгое время прожил в Японии, был очень хорошо знаком с японским искусством. Более того, он посвятил много сил для того чтобы спасти классическое японское искусство, сохранить его, и его усилия были высоко оценены японским правительством. Почему японское искусство надо было спасать? Потому что точно так же, как европейские художники попали под влияние классического японского искусства, японские художники попали под влияние европейского классического искусства, подражательного рисунка, подражательной живописи. И они так увлеклись этим новым для них направлением, что решили что всё, что они до этого делали, никуда не годится. То есть, встреча японского и европейского искусства была явно позитивна для европейского, но, в какой-то степени, не столь позитивна для японского.